Premiers travaux avec la technique du cyanotype

Il y a quelques mois, profitant du calme un peu retrouvé de l'été, j'ai tenu à explorer de nouvelles pistes créatives dans ma pratique. 

Pris.e dans le rythme des créations et des priorités, le reste de l'année, il est si facile, en tant que créateur.rice, de ne pas prendre suffisamment de temps pour mettre sa propre pratique créative en question. J'ai pourtant bien conscience de ce que cela peut être essentiel pour avancer, rester enthousiaste face à ce qu'on crée, et ne pas s'enfermer dans des schémas. 

Fidèle à mon attrait pour les procédés d'impression anciens, comme je l'ai fait il y a quelques années avec la linogravure, j'ai cette fois-ci mis l'été à profit pour explorer la technique du cyanotype. 

Qu'est-ce que le cyanotype ?

Origine et principe

Le cyanotype est une technique d'impression photographique mise au point au XIXè par la botaniste britannique Anna Atkins. 

Il se caractérise par les impressions monochromes qu'il permet d'obtenir à partir d'une réaction chimique  et d'un mélange photosensible à la lumière UV, allant du bleu de Prusse au bleu cyan. 

Comment imprimer des cyanotypes ?

Les papiers destinés à être imprimés sont préparés en amont à l'abri de la lumière du Soleil, enduits d'une solution sensible composée à volume égal de ferricyanure de potassium et de citrate d'ammonium ferrique (non toxiques, malgré leur nom qui pourrait le laisser croire). 

Une fois secs, les papiers sont exposés une dizaine de minutes (un peu plus ou un peu moins selon le degré d'ensoleillement) à l'extérieur afin de révéler l'image qu'on souhaite y imprimer. La réaction avec le Soleil se produit en négatif, de telle sorte que toutes les portions du papier exposées à la lumière deviennent bleues, tandis que les parties qui n'auront pas été exposées sont épargnées et restent blanches. Plus l'intensité du Soleil est forte, et puis le temps d'exposition est long, plus les contrastes seront forts à leur tour, et les bleus profonds. Ces couleurs définitives ne sont pas tout de suite révélées à l'issue de l'exposition, mais après avoir plongé le papier dans l'eau pour éliminer toutes traces de la solution photosensible initiale.

Les cyanotypes ont une grande durée de conservation : de nombreux travaux nous sont parvenus datés des  tout débuts de cette technique, et l'on peut noter la présence de cyanotypes dans les musées. Au fil des années, il peut arriver que les cyanotypes perdent un peu de leur éclat (s'ils ont été trop en contact direct avec le soleil par exemple), mais il suffit de les placer quelque temps dans l'obscurité pour qu'ils retrouvent leur vivacité de couleurs.

Mon travail à partir de la technique du cyanotype

Premières recherches

Avant d'explorer véritablement la technique du cyanotype, j'en avais l'image de ces impressions d'empreintes de fleurs magnifiques, que l'on a vu croître ces dernières années chez différent.e.s créateur.rice.s. Ces réalisations sont obtenues à partir de véritables végétaux, que l'on vient placer sur la feuille de papier préalablement préparée. Une fois le papier exposé au soleil, on obtient alors de jolies empreintes : toutes les parties composant les végétaux, ayant fait "barrage" à la lumière, restent blanches. 

Si la curiosité vous en dit, j'ai d'ailleurs créé un tableau Pinterest spécialement dédié à ce type précis de cyanotypes. 

J'ai réalisé mes tout premiers essais au cyanotype selon ces procédés, explorant le fruit de mes cueillettes estivales au jardin, les pétales d'hortensias, les enveloppes tout en transparence de la monnaie du pape, les  ramifications aériennes des fleurs de carotte... Ces premiers essais m'ont permis de comprendre le procédé, de mesurer les temps d'exposition nécessaires, de comparer les résultats... puis d'entrevoir les chemins que je souhaitais prendre pour m'approprier cette technique de façon vraiment personnelle. 

Aboutissements

Si la technique du cyanotype me tentait, j'avais surtout à coeur de trouver une manière de faire entrer ce procédé en cohérence avec mon univers créatif, et de me demander si lui et moi avions des choses à nous dire, à nous apporter sur ce terrain-là. 

Quand je plonge de façon sérieuse dans une nouvelle technique, j'essaye généralement d'y trouver une complémentarité avec les autres techniques que je pratique, notamment la broderie libre et la linogravure. Ces deux techniques ont leur propre langage, leurs avantages, leurs limites. Par exemple, quand je dessine dans le but de réaliser une broderie ou une linogravure, les traits de mes dessins se passent de nuances, d'ombres, de "valeurs" : une fois passée l'étape du brouillon, ils se font nets et précis pour pouvoir être ensuite brodés, loin du croquis initial.

A travers le cyanotype, j'ai rapidement réalisé que je pouvais trouver là un terrain d'expression faisant de la place à mes dessins plus traditionnels, où les ombres garderaient leur place sur le rendu final. Mieux, j'y ai trouvé une manière de faire interagir plusieurs de mes passions : le dessin de personnages, la photographie, et même le voyage. 

Plutôt que de travailler à partir d'empreintes de fleurs, j'ai donc exploré le cyanotype en tant que procédé d'impression photographique. Et c'est ainsi que sont nées les trois premières séries sur lesquelles j'ai travaillé.

Premières séries de cyanotypes 

Mes trois premières séries de cyanotypes s'organisent autour de trois piliers constants de mes inspirations, quels que soient le support et le médium que j'utilise : les fleurs, les personnages et toute la forme évocatrice que peut générer le travail autour des corps et des âmes. Et les ailleurs, ceux que j'aime photographier, qu'ils soient juste là, au pas de la porte, ou un peu plus loin. 

Sont ainsi nées les trois cyanotypes formant la série "Le temps des fleurs" : 

Ici, "Hortensias", "Blue bird", du nom de la superbe variété d'hortensias japonais que j'ai photographiée, et "Cueillette". 

Mais aussi la série "Corps et âmes".

C'est sûrement celle-ci qui fait le plus de lien avec les silhouettes emblématiques de mes travaux précédents, que ce soit en broderie ou en gravure. Ici, elles rencontrent des fragments de mes photos de fleurs, pour jouer sur ce mélange entre l'illustration et la photographie. 

Ici, "Les pensées s'apaisent par les fleurs", "Bleu septembre", et "Brins d'été". 

Et enfin, une porte ouverte au voyage avec la série "Ici et là". 

Ces petits formats, aux tons surannés, ont été pensés un peu comme des photographies anciennes, grâce aux bains végétaux dans lesquels ont été plongés mes cyanotypes après leur impression. 

Pour ces trois premiers modèles, j'ai choisi des lieux et/ou des souvenirs qui me sont chers : "le phare de Beachy head", sur la côte anglaise, entre Eastbourne et Seaford, souvenir bien ancré d'un voyage saisissant en Angleterre - le phare breton de la Perdrix, dans mon Finistère, avec son célèbre motif damier - Ces deux modèles sont également finalement brodés au fil doré -  Et enfin, cet envol merveilleux de mouettes surpris à Cais do Sodré, à Lisbonne. 

C'est avec ces chemins nouveaux que j'ai souhaité que ma boutique fasse sa rentrée il y a quelques jours. Ils y sont disponibles dès maintenant. 

Ces travaux ne signent pas la fin de quoi que ce soit, bien plus une continuité. Et je suis heureuse de savoir quelques-uns d'entre eux déjà en route vers les premières personnes à m'avoir fait confiance. 

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Retour de voyage : le contenu créatif de ma valise

C'est un peu ma rentrée sur ce blog, et je dois dire qu'écrire par ici m'avait manqué, après un mois d'août en semi-déconnexion, depuis mon Quartier Général londonien, où j'avais élu domicile pour un mois. 

J'en reviens la tête remplie d'idées créatives, d'une foule de personnages qu'il me tarde de broder, d'une envie de saisir les choses à bras-le-corps, de croire en moi, en mon instinct, et de concrétiser tout plein de projets qui dorment depuis trop longtemps maintenant. Je vous en reparlerai d'ailleurs très bientôt. 

Si vous avez suivi mes publications sur Instagram pendant ce mois d'août, vous avez pu voir que j'ai continué à broder activement, Londres étant un terrain d'inspiration(s) sans limite. J'aime à penser que certains projets créatifs des prochains mois seront nés là-bas, dans cette ville que j'aime tant. 

Retour de voyage : le contenu créatif de ma valise 

J'avais partagé quelques images du contenu créatif de ma valise sur Instastories avant mon départ, et vous aviez été plusieurs à me demander comment j'avais opéré mes choix de couleurs, comment j'avais réussi à lutter contre l'envie de tout emporter. Avant de ranger mon petit matériel créatif de voyage, je me suis dit que j'allais faire une réponse globale en dressant un bilan de mes choix par ici. 

Quel contenu créatif en voyage ? 

La question du contenu créatif de ma valise s'est d'autant plus révélée épineuse dans mon cas, que ce voyage, plus que des vacances, était une délocalisation totale de tout mon quotidien à Londres. Si je me suis octroyée une vraie pause sur la "blogosphère", en un mois, je ne pouvais pas mettre complètement entre parenthèses mes projets créatifs, j'avais besoin de continuer à leur consacrer du temps, à ceux en cours et à ceux à venir.  

Avant toute chose, en amont, essayez donc de cerner vos envies, vos priorités. Le voyage peut être un formidable terrain d'expression pour votre créativité, et l'occasion, aussi, de s'accorder plus de temps pour une passion créative qu'on a un peu délaissée. Qui sait, un joli carnet de voyage vous attend peut-être au bout ? 

Pour autant, je pense qu'il faut aussi être réaliste. Ce n'est peut-être pas dans ce voyage, précisément, que vous allez trouver le temps d'étrenner ce magnifique coffret d'encre de Chine qui dort dans votre placard depuis l'année dernière ! J'ai moi-même souvent pêché par excès d'optimisme en glissant dans ma valise tous ces médiums que je ne prenais pas la peine de tester dans mon quotidien. En général, ce sont ces outils que j'emporte pour rien en voyage, et je peste d'avoir alourdi ma valise inutilement. 

Demandez-vous donc bien ce que vous pouvez raisonnablement envisager de faire sur le plan créatif pendant votre voyage. 

• Cela peut-être une technique à laquelle vous vous êtes déjà un peu initié, mais à laquelle vous n'avez pas assez de temps à consacrer au quotidien. Il sera sans doute plus facile de vous y mettre si vous n'avez pas à dépasser le stade de l'initiation, parfois décourageant, surtout quand le voyage est déjà bien chargé en explorations (et en fatigue). 

• Cela peut-être une technique que vous maîtrisez bien, mais prise sous un angle inhabituel, de telle sorte que cela vous donne l'impression de sortir tout de même de votre routine créative, et que sa pratique pendant le voyage, demeure récréative. C'est un peu l'option que j'ai choisie, faisant naître un projet créatif étroitement lié à mon voyage, en utilisant la broderie. 

• Bien sûr, vous pouvez aussi profiter du voyage pour tester une technique que vous vous promettez d'essayer depuis longtemps, mais en ce qui me concerne, je sais que ça n'a jamais été très efficace ! A réserver peut-être aux vacances reposantes, davantage qu'aux voyages pétris d'explorations et de longues journées de marche.

Mon expérience personnelle : le contenu créatif de ma valise

Maintenant que je suis rentrée, je peux dire que je suis plutôt satisfaite des choix que j'ai faits cette année pour le contenu créatif de ma valise. 

De l'aquarelle 

Forte d'un certain nombre d'échecs par le passé en termes de valise "utile", je n'emporte plus que très rarement mon coffret d'aquarelle en voyage. L'aquarelle est une activité qui me fascine, à laquelle je m'adonne de temps en temps, mais à laquelle je n'ai pas vraiment de temps à accorder dans mon quotidien créatif actuel, préférant consacrer celui-ci à la broderie et à la gravure. 

A priori, l'aquarelle pourrait donc être une activité susceptible de me tenter pendant mes voyages (initiation déjà faite, mais pas assez de temps à y consacrer au quotidien).  Or, je ne sais jamais à l'avance ce dont j'aurai envie pendant mon voyage sur le plan créatif, et je n'aime pas me sentir frustrée de ce point de vue-là, en me rendant compte que j'ai envie de peindre, sans avoir emporté le matériel adéquat. L'inspiration est une chose suffisamment complexe  pour ne pas la laisser s'éteindre de cette façon !

Le contenu créatif de ma valise est donc une affaire de compromis, et, comme pour les vêtements, de combinaisons gagnantes. De la même façon que je choisis toujours les pulls que j'emporte parmi ceux qui peuvent s'associer avec un pantalon aussi bien qu'une jupe, des tee-shirts et des chaussures fonctionnant avec plusieurs tenues, je recherche aussi le matériel créatif 2 en 1. 

• Au lieu de mon coffret d'aquarelle, j'ai donc choisi d'emporter quelques crayons de couleurs aquarellables. L'avantage de ces crayons est qu'ils peuvent aussi bien être utilisés en tant que tels, comme crayons de couleurs, ou bien être utilisés avec de l'eau, comme aquarelle. 

Les crayons Watercolour de chez Derwent me conviennent très bien, car leurs couleurs sont particulièrement pigmentées, et se fondent parfaitement entre elles. 

• Avec ces crayons, j'ai choisi de n'emporter aucun pinceau classique, mais de partir avec un unique pinceau à réservoir d'eau. Si je préfère les "vrais" pinceaux lorsque je peins chez moi, en voyage, je ne jure que par ce type d'outils, qui répond parfaitement au souci d'une valise pratique, utile et la plus multifonctions possible. Celui que je possède est un pinceau à réservoir d'eau Pentel, dont je suis pleinement satisfaite. 

Du matériel de broderie

Pour ce voyage, j'aurais pu avoir envie d'une pause en matière de broderie. J'ai interrogé mes envies avant de partir, et il me semblait clair au contraire que je ne souhaitais absolument pas mettre mes projets brodés entre parenthèses pendant un mois entier passé à l'étranger. Je crois même que j'avais la forte intuition que Londres me soufflerait quelques idées. 

• En revanche, il n'était pas question d'emporter tout mon matériel de broderie. Je dispose d'une quantité assez importante de fils à broder et de couleurs, et je savais bien que je n'aurais pas usage du tiers d'entre eux. Je me suis donc imposée de faire entrer l'intégralité de mon matériel dans une petite boite très facile à glisser dans ma valise. 

• Pour choisir les couleurs de fils à emporter, j'ai réfléchi à mes broderies du moment, des personnages dont je brode les contours, et auxquels j'ajoute quelques détails de couleurs. Si mon projet "les petits matelots" - laissé de côté en ce mois d'août - m'a portée plutôt sur la combinaison rouge et bleu, je n'étais pas sûre que mes envies seraient les mêmes à Londres. J'ai tout de même commencé par sélectionner ces deux couleurs (au cas où), puis j'ai réfléchi aux couleurs que m'évoquait  vraiment Londres.

J'ai pensé aux murs de briques, indissociables de cette ville dans mon esprit. J'ai donc glissé deux nuances de marrons / ocres chauds dans ma boite. 

Quand je pense à Londres, me viennent aussi immédiatement en tête les vêtements en tweed, les associations de matières des vêtements typiquement british. Des verts anglais, très profonds, des couleurs automnales. J'ai donc ajouté un vert forêt, deux nuances de gris, un vert plus clair, aussi, que m'évoquaient les parcs londoniens. 

Et puis, j'ai enfin pensé à la légèreté de l'été, n'excluant pas l'envie de broder des choses plus fleuries. Je me suis bâtie une petite palette en fonction, choisissant quelques couleurs pouvant répondre à des projets plus variés : quelques roses, du jaune pâle, un bleu ciel. Et du doré, pour ne pas exclure une petite touche de fantaisie.

De manière générale, j'ai fait en sorte d'emporter quelques tons chauds et quelques tons froids. Quelques couleurs un peu fortes, et quelques couleurs plus douces. Si je devais donner un seul conseil, ce serait celui-là. 

J'ai bien entendu ajouté une aiguille, un crayon à papier, un stylo noir indélébile, une gomme, une mini paire de ciseaux et un crayon pour tissu effaçable à l'eau, toujours dans ma petite boite. 

Et c'est tout. 

Mon bilan 

Avec le recul, je suis plutôt satisfaite de mes choix, car je n'ai manqué de rien, et je n'ai rien emporté qui m'ait encombrée sans raison. Si finalement je ne me suis pas franchement servie de mes crayons aquarellables, j'en retire d'autant moins de culpabilité que ceux-ci tenaient dans la toute petite boite que je m'étais imposée, y occupant une place minime. 

En broderie, le fait d'avoir interrogé mes envies en amont m'a été fort utile, car j'ai visé juste, et j'ai pu utiliser toutes les couleurs dont j'avais besoin, selon mon inspiration. 

J'ai bien fait de ne pas emporter de matériel de gravure, car les gouges auraient probablement été considérées comme des outils dangereux aux points de contrôle de l'Eurostar, et il n'était pas question de prendre le risque de me les voir confisquées. 

Je m'en suis tenue à des techniques que je connaissais, résistant à l'envie de glisser dans ma valise du matériel pour des techniques que je me promets de tester depuis des mois, et je suis sûre d'avoir bien fait : après des heures de marche passées à explorer Londres, je n'aurais certainement pas trouvé le courage de m'initier à une technique nouvelle ! 

J'espère que mon retour d'expérience saura vous aiguiller quelque peu la prochaine fois que vous vous trouverez bien pensif devant votre "valise créative". 

Si vous avez d'autres astuces pour faire les bons choix créatifs avant de partir en voyage, n'hésitez pas à m'en faire part dans les commentaires !

Broder du papier : ma gravure de baigneuse brodée

Broder du papier : ma gravure de baigneuse brodée

Si je me replonge dans mon article sur mes aspirations créatives en 2018, je me souviens de mon envie de faire se rejoindre deux de mes activités créatives favorites, la broderie et la gravure. 

J'ai toujours considéré la broderie comme une extension des dessins que je pourrais par ailleurs réaliser sur papier, ou comme une nouvelle manière d'exprimer ceux-ci. Je parle d'ailleurs souvent plus de mes dessins brodés que de mes broderies.

Mes gravures, de leur côté, me permettent de conserver le contact avec le papier, et voir se révéler les couleurs des encres que j'ai choisies, une fois mes plaques gravées et imprimées, est un plaisir créatif inégalable, pour l'amoureuse du papier que je suis.

Ma gravure de baigneuse brodée

Mêler la gravure et la broderie devait donc arriver tôt ou tard, cette année, et c'est avec ce dessin tout à fait estival que j'ai concrétisé cette envie. 

J'ai d'abord imaginé cette baigneuse, dérivant sur sa bouée en plein milieu de la mer. Je l'ai gravée, puis imprimée, en n'utilisant volontairement qu'une seule couleur pour ma gravure. Dès le début, j'avais en tête l'idée d'utiliser la broderie pour apporter une deuxième couleur et un petit twist à ma gravure par la même occasion. 

J'ai choisi d'égayer un peu la bouée de la baigneuse, avec un fil mouliné DMC rouge (référence 321). Le point que j'ai employé pourrait s'assimiler au passé plat empiétant, à la nuance près que le papier engendre quelques contraintes par rapport au tissu. C'est d'ailleurs en pensant à ces contraintes que j'ai souhaité profiter de cet article pour partager quelques conseils avec vous qui projèteriez peut-être de broder sur du papier à votre tour.

Mes conseils pour broder sur du papier

• N'espérez pas broder sur le papier de la même façon que vous brodez sur tissu. Le papier a des spécificités qui ne rendront pas tout possible. Il faut prendre en compte ces spécificités, et les tourner en atout. (ici par exemple, le passé plat empiétant n'est pas aussi "serré" que je l'aurais fait sur tissu). Mon premier conseil est donc de ne pas chercher à percer de trous trop serrés, au risque de finir par déchirer votre papier.  

• Percez votre papier par l'endroit pour bien visualiser où vous piquez vos points. Quand vous brodez sur tissu, vous passez successivement de l'endroit vers l'envers, et de l'envers vers l'endroit. Tout ceci ne pose pas de problème sur tissu, car celui-ci autorise le tâtonnement et permet de repositionner son aiguille au bon endroit si on a piqué trop près ou trop loin la première fois. Sur papier, ce ne sera pas possible, car il faut éviter de faire des trous superflus dans le papier. Je vous conseille donc de faire des repérages réguliers sur l'endroit pour savoir où est-ce que vous voulez piquer votre aiguille. Ensuite, si vous devez piquer de l'envers vers l'endroit, vous retrouverez facilement le trou que vous avez préalablement percé sur l'endroit. 

• Selon la broderie que vous souhaitez faire sur le papier, vous pourrez même parfois poinçonner au préalable sur l'endroit l'ensemble des trous dont vous aurez besoin pour la broderie (je pense notamment à des broderies simples au point arrière. Dans ce cas, tracez doucement votre dessin au crayon à papier sur l'endroit, et percez le papier régulièrement sur le tracé de votre dessin. Il ne restera plus qu'à "relier" les trous obtenus en passant votre aiguillée de fil à l'intérieur.

• Le papier est fragile. Prenez votre temps pour éviter de percer le trou de trop (voir point précédent). 

J'espère que cet article vous aura été utile, et qu'il vous ouvrira - qui sait - de nouvelles perspectives créatives. Avez-vous déjà testé la broderie sur papier ? 

Quand les bords de mer m'inspirent : ma linogravure marine #1

En matière de création, que ce soit pour mes broderies ou mes linogravures, les dessins me viennent souvent en tête par série de deux ou trois au moins, comme une petite histoire qui s'écrirait en quelques images. Ce n'est sûrement pas un hasard si un de mes rêves serait de fabriquer un jour un album illustré pour les enfants. 

Quand les bords de mer m'inspirent : ma linogravure marine

Et si je préfère généralement varier les plaisirs en changeant de direction d'une broderie ou d'une gravure à l'autre, pour ne pas risquer de me lasser, je dois reconnaître que je connais en ce moment une certaine obsession pour le thème marin. Les bords de mer m'ont toujours inspirée, j'ai d'ailleurs toute une section de mon tableau Pinterest "Inspiration" consacrée au thème marin. 

Et j'aime me dire que la Bretagne est pour moi une source inépuisable de personnages à imaginer. Face au syndrome de la page blanche, une balade à la mer, sur le sentier des douaniers, l'appareil photo en bandoulière, suffit généralement à me faire rentrer à la maison la tête remplie de nouvelles images (et les cheveux plein de sel). J'y reviens toujours. 

Il y a peu de temps, j'ai partagé avec vous une première broderie d'inspiration marine, imaginée au retour de mon voyage sur la côte Basque. Depuis, cette broderie a fait des petits, que je vous montrerai bientôt, mais c'est avec une linogravure que j'ai eu envie de venir toquer à votre porte aujourd'hui. 

Cette linogravure, je l'ai voulue dans le prolongement immédiat de ma broderie précédente. Je trouve un vrai équilibre dans le fait d'alterner mes broderies avec mes gravures, et j'aime de plus en plus essayer d'établir des cohérences d'un médium à l'autre, de créer des ponts entre ces deux domaines qui me passionnent. 

La gravure m'est essentielle pour garder le contact avec le papier car, en bonne amoureuse du beau papier que je suis, je ne pourrais pas me contenter de dessiner sur du tissu. Et surtout, le processus d'impression d'une linogravure, définitivement, a quelque chose de magique à mes yeux, lorsque le dessin qu'on a imaginé sur la plaque de lino se révèle avec toutes ses couleurs sur le papier. 

Impression en trois couleurs

Ici, j'ai donc voulu continuer à m'amuser autour du thème des petits matelots, avec ce portrait en trois couleurs, imprimé à l'aide d'une unique plaque de linoleum. 

J'ai aimé réfléchir à la manière dont le bachi (car c'est ainsi qu'il faut appeler ces bérets marins) pouvait apparaître en négatif (sa forme, blanche, est obtenue en supprimant de la matière sur la plaque de linoleum) et servir du même coup à séparer deux zones de couleur sur la plaque. 

Il n'est pas simple en effet d'encrer de deux couleurs différentes deux zones voisines sur une plaque de lino. Généralement, on opte pour un encrage des différentes couleurs sur autant de plaques distinctes, qu'on assemble au moment de l'impression, ou bien on choisit l'impression à fond perdu, dont il faudra que je vous reparle un jour ! 

Pour cette linogravure, je n'ai retenu aucune de ces deux options, mais j'ai anticipé la problématique dès la conception du dessin, décidant de me servir de la zone creusée pour le bachi comme d'un espace de séparation entre le ciel bleu clair et le bleu marine utilisé pour le personnage. Comme il s'agit d'une zone creusée, en encrant le personnage en bleu marine, l'encre ne déborde pas sur la zone du bachi, qui reste blanche. De la même façon, de l'autre côté, on peut encrer la zone correspondant au ciel en bleu clair en s'arrêtant plus commodément au bord du creux créé pour le bachi. 

Finalement, vous l'avez peut-être déjà remarqué, la seule difficulté correspond au pompon, qui jouxte le ciel bleu. L'encrage du pompon est donc un peu plus délicat - et j'aurais pu choisir de l'ajouter a posteriori, en le gravant sur une mini plaque à part pour l'ajouter dans un second temps - mais c'est une toute petite zone, et c'est donc faisable avec un peu de minutie, en encrant  délicatement cet espace au pinceau, plutôt qu'au rouleau. 

J'espère que vous apprécierez cette nouvelle linogravure. Certaines choses devraient bouger quelque peu pour moi d'ici quelques mois, la création s'apprêtant à occuper une place plus grande dans ma vie. Et il n'est pas impossible que je sélectionne cette linogravure pour l'imprimer à quelques dizaines d'exemplaires destinés à être mis en vente.

Vos retours sont donc toujours précieux pour moi, notamment pour me permettre d'identifier les créations qui plaisent et vous touchent le plus parmi toutes celles que je partage régulièrement avec vous ici et sur mon compte Instagram. ;)

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Le pull jacquard : linogravure en 3 couleurs

L'hiver a beau avoir tiré sa révérence (en principe), je reviens aujourd'hui avec une gravure que j'ai imaginée la saison dernière, quand les ambiances chaleureuses et les pulls moelleux guidaient mon inspiration. Il me tardait donc de prendre le temps de la partager avec vous, avant d'amorcer un virage plus printanier dans les créations que je mets régulièrement en avant sur ce blog. 

Le pull jacquard : linogravure en trois couleurs

Commencer une collection de portraits gravés

Cette linogravure vous en rappellera peut-être une autre, car elle est une déclinaison d'un autre portrait gravé, que j'ai partagé avec vous il y a quelques mois dans cet article où je vous explique comment j'imprime mes linogravures. 

L'hiver dernier, à travers mes projets de gravure, j'ai eu envie de débuter une série de portraits, de reprendre les traits et les codes des personnages qu'on retrouve régulièrement dans mes dessins brodés. De petits bonshommes un peu candides et enfantins, autour desquels j'ai décliné différentes couleurs et motifs de pulls jacquard. 

Ce fut un exercice assez stimulant que celui de me concentrer sur le vêtement à travers la gravure et son rendu "papier". Car c'est une chose de m'amuser avec les textures pour broder des vêtements dans mes dessins brodés, comme ici ou là, mais c'en est une autre de vouloir le faire avec de l'encre et du papier, loin de mes fils, de mes toiles de coton et de mes laines fantaisie. 

Pour ce portrait, comme pour le précédent, j'ai donc tâché de dépouiller le dessin de tous les détails inutiles pour ne garder que l'essentiel dans la suggestion des motifs jacquard.  Pour le reste, j'ai pensé cette demoiselle comme une jumelle de ma gravure précédente, et j'aime aujourd'hui les considérer comme une sorte de dyptique. Je n'ai qu'une envie, désormais, c'est d'agrandir encore la famille, avec d'autres variations de ce genre. 

Réfléchir à son choix de couleurs dès le début du projet

Mes encres chouchoutes, la gamme Aqua wash de la Maison Charbonnel

Quand j'ai démarré la linogravure, je dessinais mes futures gravures telles que je les aurais dessinées sur papier, sans trop me préoccuper de la spécificité du support auxquelles je les destinais. Ce n'est pas impossible de fonctionner comme ça, mais il faut alors s'attendre à une part d'aléatoire une fois le dessin imprimé, ne serait-ce parce que le dessin gravé est imprimé en miroir - inversé - sur le papier. 

Depuis quelques temps déjà, j'essaye de me projeter davantage dans le résultat de mes gravures lorsque je conçois mon dessin, d'anticiper les contrastes, les zones de blanc (sur la plaque de linoléum, elles correspondent à toutes les zones que vous creuserez), etc. De "penser à l'envers", dès le départ.

C'est d'autant plus important lorsqu'on souhaite encrer sa plaque de linoléum avec plusieurs couleurs (et qu'on n'a pas opté pour une impression à fond perdu, une technique dont je vous parlerai une prochaine fois). Il est tout à fait possible de procéder de cette façon - même si certains diront que ce n'est pas la voie la plus académique - pour peu qu'on ait pensé et anticipé ce choix. 

Pour cette gravure, par exemple, je tenais à pouvoir tout réaliser sur la même plaque, et ainsi ne pas multiplier les étapes d'impression. J'ai donc réfléchi à une manière de contourner la contrainte que je m'imposais, en y réfléchissant dès l'élaboration de mon dessin. 

Concrètement, la difficulté résidait dans le placement des couleurs sur la plaque, car il est délicat en linogravure d'avoir des zones de couleurs différentes voisines sur une même plaque.

J'ai donc choisi d'inclure le blanc comme une couleur à part entière de ma gravure pour le pull de ma demoiselle. Comme je l'ai écrit, ce blanc correspond aux espaces qu'on creuse sur la plaque de gravure, ce qui est plutôt intéressant à exploiter, car il permet en même temps de séparer deux zones de couleurs distinctes (qu'on peut alors encrer avec les couleurs de son choix sans risquer que les encres se chevauchent), et d'entrer comme un élément de composition du dessin à part entière.

Ici, grâce aux bandes blanches sur le pull jacquard, j'ai donc pu utiliser facilement du bleu marine, du rouge, et du rose, chacune de ces zones de couleur étant séparée de l'autre par un espace blanc (soit un creux, sur la plaque gravée). 

Finalement, le seul endroit, sur ma gravure, où le bleu marine jouxte une zone rouge, si vous le remarquez bien, c'est entre les cheveux et les épaules de la jeune fille : là, aucune bande blanche pour séparer vraiment les deux couleurs, mais il s'agit de zones "faciles d'accès", sans angle délicat à aborder, et avec un rouleau fin, comme celui que je vous montre sur la photo précédente - que vous pouvez trouver dans tous les magasins de matériel d'Art -, l'encrage est tout à fait faisable, avec un peu de minutie. 

J'espère que vous aurez eu la patience de me lire jusqu'au bout, et que j'aurai réussi à vous entrainer dans le processus de création de cette gravure. 

D'ailleurs, quelle déclinaison de cette jeune fille (ou de son copain d'il y a quelques semaines) auriez-vous envie de me voir graver ? J'ai déjà très envie de réfléchir à une version d'un de ces personnages en marinière, mais je serais très enthousiasmée de lire vos suggestions également si vous en avez ! 

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Comment j'imprime mes linogravures

Si vous me suivez sur Instagram, vous avez peut-être vu passer quelques stories en direct de l'atelier de gravure ce week-end. J'ai été très touchée par les retours que j'ai reçus à propos de la gravure que je partage avec vous aujourd'hui. Cet enthousiasme m'a rappelé une de mes aspirations créatives pour 2018, qui est de mettre davantage la gravure à l'honneur sur mon blog cette année. 

Ni une, ni deux, j'ai décidé de lui consacrer un article et de décomposer avec vous le processus de son impression. Je sais que cette pratique paraît encore obscure aux yeux de certains, alors si je peux contribuer, à ma petite échelle, à éclaircir les choses, j'en serai ravie.

Processus d'impression de la linogravure 

Le matériel de linogravure 

Voici le matériel auquel j'ai eu recours pour cette gravure. 

• Ma plaque de linoléum préalablement gravée avec mes fidèles gouges de la marque Pfeil. C'est le deuxième portrait que je réalise dans cette même veine. En bonne amoureuse que je suis des pulls jacquard, j'ai eu envie de décliner quelques personnages autour de ce thème. Je vous montrerai la jumelle de ce jeune homme très prochainement. 

• des tubes d'encres typographiques. J'utilise la gamme Aquawash de la maison Charbonnel, des encres qui se nettoient à l'eau et dont je suis très satisfaite. Ils ressemblent à des tubes de gouache, mais la texture des encres est plus collante et pâteuse. Il faut la travailler un peu à la spatule avant de l'appliquer sur la plaque de linoléum gravée. Pour mon personnage en pull jacquard, j'ai opté pour de l'ocre jaune et un bleu de Prusse mélangé à une pointe de noir.

• Des rouleaux encreurs. Je raffole des tout petits rouleaux, qui me sont souvent bien utiles pour des encrages de précision dans certaines zones de ma plaque où différentes couleurs se cotoient. 

Graver la plaque de linoleum 

Depuis mes débuts en gravure, je me suis concentrée sur la linogravure, qui n'est qu'UN type de gravure parmi d'autres. J'aime la douceur de la matière qu'on grave - des plaques de linoléum -, et le caractère moins physique de la tâche par rapport à la gravure sur bois. C'est une sensation que je trouve assez agréable. 

Je ne m'attarderai pas sur cette étape de la gravure dans cet article, mais je vous laisse observer l'état de ma plaque après l'avoir gravée. En gravure, je conçois toujours mes dessins sur papier, avant de les décalquer sur la plaque de linoléum. 

Encrer la plaque de linoleum 

Comme je l'ai écrit, l'encre de linogravure "se travaille" avant de pouvoir l'appliquer au rouleau. J'utilise des spatules (ici, une spatule de peintre), et j'étire raisonnablement la matière. Le but est de pouvoir ensuite appliquer une fine couche d'encre sur le rouleau. La principale erreur à éviter ? Encrer sa plaque de linoléum avec un rouleau trop chargé en encre. Ce qui risque de se produire au moment de l'impression, c'est que l'encre   "bave" et comble les creux de la plaque, ceux-là même qui sont censés rester blancs. 

Je fais en sorte d'encrer ma plaque avec un rouleau encré de manière régulière sur toute sa largeur, pour une application d'encre uniforme.

Il n'est pas nécessaire de trop appuyer au moment d'encrer sa plaque, il faut simplement veiller à laisser le moins de traces de rouleaux possible, car celles-ci pourraient se voir à l'impression. 

Vous remarquerez que ma gravure est bicolore. Pour réaliser des gravures polychromes, plusieurs options se présentent à nous en linogravure : 

• graver les différentes zones de couleur sur plusieurs plaques, et les imprimer en les associant comme un puzzle (je suis assez coutumière de cette méthode). 

• réaliser une gravure dite "en réduction", ou "à lino perdu", ce qui consiste à graver et imprimer sa plaque en plusieurs fois, de la couleur la plus claire à la couleur la plus foncée, en regravant la plaque entre chaque étape. Au fur et à mesure qu'on regrave et réimprime la plaque couleur par couleur, celles-ci viennent successivement recouvrir partiellement les précédentes (je vous laisse aller regarder la jolie gravure Art Déco de Fabienne, pour laquelle elle a utilisé cette technique). À la fin du processus, la plaque de linoléum n'est plus utilisable, ce qui oblige à réaliser tous les tirages qu'on souhaite faire de sa plaque dès le départ.

• Trouver des stratagèmes pour que les différentes couleurs choisies ne se touchent pas directement sur la plaque. C'est l'option que j'ai choisie pour cette gravure. 

Ici, j'avais envie d'emprunter aux pulls jacquard leur variété de couleurs et motifs, tout en allant à l'essentiel dans mon trait. J'ai donc choisi d'exploiter le blanc du papier et de m'en servir comme une couleur à part entière pour le pull : en creusant une large bande dans ma plaque - comme je vous le montre sur la photo précédente -, j'ai non seulement intégré une partie blanche dans les motifs du pull, mais j'ai aussi séparé la zone supérieure du personnage, encrée en bleu marine, et la partie basse encrée en ocre jaune. Ces espaces, grâce à la large taille les séparant, ne se touchent pas, et il m'a donc été beaucoup plus facile d'utiliser deux couleurs sur la même plaque, sans risquer qu'elles se chevauchent et que le résultat ne soit pas propre. Sans cette astuce, il m'aurait fallu opter pour une des deux autres techniques sus-citées. 

À savoir que ce n'est pas un choix qui s'improvise. Il vaut mieux l'anticiper dès la conception du dessin. 

Grâce à la large bande blanche taillée dans la matière, je peux aisément réaliser mon encrage bleu marine sans dépasser sur l'ocre jaune préalablement encré.

Procéder à l'impression :

Une fois que la plaque de linoléum est correctement encrée, vient le moment que je préfère, celui de l'impression ! 

En effet, la plaque de linoléum n'est qu'un intermédiaire, ce n'est pas la gravure ! Elle est une matrice qui va permettre de transférer son dessin gravé, puis encré, sur le papier. 

La gravure, c'est le résultat auquel on aboutit une fois qu'on peut tenir le papier entre ses mains. Elle diffère d'une illustration print classique par la technique utilisée et le fait que chaque tirage est un original, unique, car réalisé à la main. Il faut encrer à nouveau sa plaque de linoléum entre chaque impression, ce qui rend le processus d'impression très long quand on souhaite imprimer à 30, 50, 100 exemplaires (soyons fous !). À titre d'exemple, en l'espace d'un après-midi, j'ai pu imprimer cinq exemplaires de la gravure que je vous présente aujourd'hui. 

Cette étape de l'impression est vraiment pour moi la plus excitante, car c'est là que le dessin qu'on a imaginé prend vie. Jusque là, il n'est pas toujours évident de savoir si on a bien travaillé (comprendre, si le résultat sera à la hauteur de nos espérances) rien qu'en regardant la plaque de linoléum : on voit son dessin en négatif, les coups de gouges apparents donnent parfois l'impression d'un travail un peu grossier, et il faut forcer sa perception pour voir que les "creux" correspondent aux zones qui resteront blanches sur le papier. 

Pour imprimer ses linogravures, là encore, différentes techniques coexistent : 

• imprimer à la cuillère : on place la feuille de papier sur laquelle on souhaite imprimer sa gravure sur sa plaque encrée, et méticuleusement, on vient littéralement appuyer sur la plaque avec une cuillère, centimètre par centimètre, en maintenant une pression égale avec le pouce et un petit mouvement de balancier. Je ne pourrai pas vous en dire beaucoup plus sur cette technique, car, impatiente comme je suis, je ne suis parvenue à aucun résultat probant avec elle. Il faut y passer beaucoup de temps, c'est un travail de titan, que je trouve peu agréable et même plutôt douloureux. Ceci dit, certains parviennent à de très beaux résultats avec cette technique (et ont toute ma admiration !).

•  imprimer à l'aide d'une presse : je dispose d'une petite presse à manivelle à la maison depuis peu, ce qui a vraiment changé ma pratique de la gravure. C'est un vrai plaisir de pouvoir imprimer sans attendre mes linogravures, tranquillement depuis chez moi. Je l'utilise plutôt pour de petits formats, et réserve les impressions plus délicates au moment que je passe, une fois par mois, dans un vrai atelier de gravure, muni d'une grande presse professionnelle. 

Ici, sur la presse, on positionne la plaque de linoléum sur un fin papier protecteur. Sur celui-ci, j'ai tracé les contours de la feuille A4 sur laquelle je souhaite imprimer la gravure. Ce sont mes repères, qui me permettent de placer ma plaque gravée telle que je veux la voir imprimée sur le papier. 

On place la feuille de papier sur la plaque (et non l'inverse, comme on le ferait avec un tampon) avant le passage sous la presse. (Personnellement, je recouvre encore la feuille avec un autre papier très fin)

Et voilà !

J'espère que vous aurez apprécié cette incursion dans le processus de création d'une linogravure. Comme je l'ai écrit dans mon premier article de l'année, j'ai envie, cette année, de vous apporter davantage de contenu autour de la gravure. Si j'ai fini par en partager de moins en moins en 2017, c'est que j'étais gênée de publier des articles simplement pour vous "montrer" une gravure. Si un article comme celui-ci vous a plu, j'essaierai donc de vous faire entrer plus souvent dans les coulisses de mes réalisations en gravure à l'avenir. 

Si vous avez des questions ou des choses que vous n'avez pas bien saisies dans mon article, n'hésitez pas à m'en faire part en commentaire, je me ferai un plaisir de vous répondre !

Et pour finir, une petite épingle 

si vous souhaitez garder facilement cet article en mémoire.